„Schlafen kann ich, wenn ich tot bin.“ Dieser berühmte Satz stammt von niemand anderem als einem der einflussreichsten Regisseure des sog. Neuen Deutschen Films: Rainer Werner Fassbinder. Angesichts seines filmischen Werks, welches über 29 Spielfilme und zwölf Fernsehproduktionen umfasst (u.a. auch TV-Serien wie Welt am Draht), ist das mit dem akuten Schlafmangel eigentlich aber auch nicht weiter verwunderlich. Denn andere Filmemacher hätten es wohl kaum geschafft, so viele Filme in einem Zeitraum von nicht mal 20 Jahren zu drehen. Dazu kommt noch, dass man den Werken eine unglaublich Sorgfalt und Raffinesse anmerkt, die man so nur bei wenigen (deutschen) Regisseuren findet. Angefangen beim Setting, bei den beeindruckenden und durchkomponierten Bildern und natürlich auch bei den vielseitigen Thematiken seiner Filme spürt man Rainer Werner Fassbinders Leidenschaft, die seine Werke durchzieht. Keine Frage, hier war ein Filmemacher am Werk, der für und durch seine Filme lebte!

Rainer Werner Fassbinder war jedoch in erster Linie auch für seinen Hang zur Provokation bekannt. Gezielt griff er in seinen Filmen immer wieder Tabuthemen wie unterdrückte Homosexualität, häusliche Gewalt und psychische Erkrankungen auf. Auch bezog er häufig kritisch Stellung zur politischen Lage der Bundesrepublik Deutschland seit 1945. Er wagte es unbequeme Wahrheiten auszusprechen, z.B dass nach dem Zweiten Weltkrieg immer noch viele wichtige Ämter von Nazis besetzt waren – Wahrheiten also, mit denen er immer wieder aneckte. In seinem Film Die Ehe der Maria Braun wagte er es sogar die Porträts der Bundeskanzler Adenauer, Erhard, Kiesinger und Schmidt in Verbindung mit einem Bild Hitlers zu setzen. Der Filmbeginn, in dem Hitler zu sehen ist, und das Ende, das mit den Bundeskanzler-Porträts abschließt, wird bis heute nicht nur von Filmwissenschaftlern immer wieder aufs Neue interpretiert und in Frage gestellt.

Trügerische Idylle: Emma und Ali in “Angst essen Seele auf”

Im Mittelpunkt seiner Filme stehen oft absolute Durchschnittsbürger ebenso wie Außenseiter wie etwa Asylbewerber und Gastarbeiter (z.B Katzelmacher, Angst essen Seele auf), die versuchen, sich in die Gesellschaft einzugliedern, häufig letztendlich jedoch an ihr zugrunde gehen. Der marrokkanische Gastarbeiter Ali in Angst essen Seele auf geht etwa eine Beziehung zu der etwa 20 Jahre älteren verwitweten Putzfrau Emma ein. Schon bald ist das Paar den feindseligen Reaktionen und Diskriminierungen seiner Mitmenschen ausgesetzt.

Auch auf Frauenfiguren hatte Rainer Werner Fassbinder immer ein großes Augenmerk. In seiner sogenannten „BRD-Trilogie“, die in seinen späten Jahren entstand, stehen mit Maria Braun, Lola und Veronika Voss drei Frauen im Mittelpunkt, die ausgelöst durch politische Veränderungen (Zweiter Weltkrieg, Ende des Nazi-Regimes, Wirtschaftswunder-Jahre) auch ihr eigenes Leben neu sortieren, sich nicht zuletzt, um glücklich zu werden, mit Widrigkeiten arrangieren müssen.

Fassbinders große Liebe zur Literatur zeigte sich durch zahlreiche Adaptionen wie etwa Fontane Effi Briest, Despair (nach Vladimir Nabokov) und nicht zuletzt durch sein Mammutprojekt, der 14-teiligen Fernsehverfilmung Berlin Alexanderplatz. Franz Biberkopf, der Protagonist des gleichnamigen Romans von Alfred Döblin, versucht hier nach einem Gefängnisaufenthalt wieder ein ehrliches Leben zu führen. Mit einer erstaunlich guten Beobachtungsgabe und mit einer gehörigen Portion Sympathie für seine Hauptfigur schildert Fassbinder das Schicksal Franz Biberkopfs, der es – wie sollte es anders sein? – natürlich nicht schafft, wieder ein normales bürgerliches Leben zu führen. Der Kameramann Xaver Schwarzenberger, mit dem Fassbinder im Laufe seiner Karriere mehrmals zusammenarbeitete, liefert dazu beklemmende, tiefdüstere und melancholische Bilder, die nicht nur perfekt zur Grundstimmung von Berlin Alexanderplatz passen, sondern einem unwiderruflich auch noch lange in Erinnerung bleiben.

Man stellt sich ernsthaft die Frage, wie viele Filme Rainer Werner Fassbinder wohl noch in seinem Leben gedreht hätte, ob er den (von ihm ersehnten) großen Sprung nach Hollywood wohl noch erreicht hätte. Doch es sollte anders kommen: Rainer Werner Fassbinder verstarb am 10. Juni 1982 im Alter von 37 Jahren an Herzversagen – ausgelöst vermutlich durch eine Mischvergiftung von Kokain, Schlaftabletten und Alkohol. Fassbinder war eben auch ein Mann des Exzesses. So bleiben dem interessierten Cineasten immerhin noch über 40 faszinierende Filme, die es auf jeden Fall zu entdecken gilt. Denn einen so überaus arbeitseifrigen und produktiven Filmemacher wird die Bundesrepublik Deutschland wohl so schnell leider nicht mehr zu Gesicht bekommen…

Als Filmblogger wird man ja immer wieder zu sehenswerten (Presse)-Filmveranstaltungen eingeladen. So kam es, dass sich das Farbfilmblog-Redaktionsteam (bestehend aus Lukas und mir) in dieser Woche zur Eröffnung des größten Studentenfestivals Europas, dem 41. Sehsüchte-Filmfestival, aufmachte. Nach einigen mehr oder weniger aufschlussreichen Reden von Professoren der in Potsdam-Babelsberg ansässigen Hochschule für Film und Fernsehen (HFF Konrad-Wolff), ging es auch schon gleich los mit dem Eröffnungsfilmblock, bestehend aus einer bunten Mischung von Kurzfilmen. Vor allem der erste Film namens „Now Follows“, der das Filmemachen an sich wunderbar auf’s Korn nimmt und sehr zum Lachen anregt, ist mir in guter Erinnerung geblieben. Zu sehen gibt es ihn hier. Auch das Musikvideo mit dem Mädchen, das ausführlich (und sehr gewissenhaft) über die ideale Bestattungszeremonie für ihre verstorbene weiße Maus nachdenkt, war sehr sehenswert. Sehr melancholisch wurde es mit dem polnischen Kurzfilm „Frozen Stories“. Skurril und mit einer gehörigen Portion schwarzem Humor wird hier das Schicksal zweier einsamer und trauriger Seelen gezeigt, die von ihrem Chef als die zwei schlechtesten Mitarbeiter bezeichnet werden. Doch er gibt ihnen vor ihrer Kündigung noch eine Chance, die die beiden auf wirklich sehr ungewöhnliche Art und Weise zu nutzen wissen… Aber seht selbst.

Die Eröffnungsveranstaltung war zumindest schon mal sehr abwechslungsreich. Sicher wird am kommenden Wochenende auf dem Festival noch die eine oder andere filmische Perle zu sehen sein. Wer die Chance also noch nutzen (und die weite, weite Reise nach Potsdam auf sich nehmen will ): Das Sehsüchte-Filmfestival findet noch bis zum 29. April an diversen Orten in und um die Hochschule für Film und Fernsehen statt. Das ausführliche Programm findet ihr hier. Viel Spaß!

Norma Jeane Baker, besser bekannt unter dem Künstlernamen Marilyn Monroe, ist sicher die berühmteste Blondine der Filmgeschichte. Der britische Regisseur Simon Curtis hat sich mit seinem Biopic „My Week with Marilyn“ nun an die große Filmikone der 50er Jahre herangewagt. Das Drehbuch stützt sich auf die persönlichen Erinnerungen des Filmemachers Colin Clark, der Marilyn bei den Dreharbeiten zum Film The Prince and the Showgirl (Regie: Laurence Olivier) kennenlernte – und seine Erfahrungen mit dem Männerschwarm später niederschrieb. Marilyn Monroe, die zu diesem Zeitpunkt in Hollywood schon längst auf ein und dieselbe Rolle festgelegt schien – das blonde Dummchen – wollte mit diesem Filmprojekt  all ihren Kritikern ihr schauspielerisches Talent beweisen.

Der Film erzählt die Strapazen des Filmdrehs aus der Perspektive des 23-jährigen Colin Clark (Eddie Redmayne), der von einer Karriere als Regisseur träumt. Mit viel Geduld und Hartnäckigkeit verschafft er sich schließlich einen Job als Regieassistent bei der Produktion des neuesten Monroe-Films. Kaum am Set angekommen, ist es auch schon um ihn geschehen. Wie so viele Männer vor ihm, hat Marilyn ihn im Nu mit ihrem charismatischen Auftreten um den Finger gewickelt. Regisseur und Darsteller Laurence Olivier (gespielt von Kenneth Branagh) beginnt im Gegenzug immer mehr zu bereuen, diese launenhafte und tief verunsicherte Schauspielerin für seinen Film engagiert zu haben. Die Atmosphäre beim Filmdreh wird zunehmend eisiger. Olivier kritisiert Marilyn mit immer bissigeren Kommentaren – und Marilyn verschließt sich gleichzeitig immer mehr, bis sie eines Tages gar nicht mehr zum Dreh erscheint. Colin Clark schafft es als Einziger zu der Ikone durchzudringen – und sie zum Fortsetzen der Dreharbeiten zu motivieren. Als einer der wenigen ist er wirklich von ihrem Talent überzeugt – zugebenermaßen natürlich auch, weil er sich schon längst über beide Ohren in die charmante Blondine verguckt hat! Ihm gegenüber beginnt sich Marilyn stückweit zu öffnen, so vertraut sie ihm intime Details über ihr Privatleben an und lässt ihn hinter die Fassade des attraktiven, stets gut gelaunten Mädchens blicken.

Michelle Williams, die in jüngster Zeit schon in zahlreichen Independent-Produktionen wie etwa Synecdoche, New York und Blue Valentine brillierte, spielt diese komplexe Persönlichkeit, die ständig zwischen Koketterie und fröhlicher Fassade einerseits und tiefen Anfällen von Selbsthass andererseits hin und her schwankt, sehr bemerkenswert. Ihr gelingt es, den Charme und Sexappeal der Ikone eindrücklich zu verkörpern. Auch die Gesangseinlagen, die denen der echten Marilyn ziemlich nahe kommen, sind lobend hervorzuheben.

Leider verschenkt der Film jedoch einiges an Potential. So gerät gerade die Nebenhandlung mit dem sommersprossigen Colin Clark etwas mau. Die Figur des Colin, aus dessen Perspektive die Geschichte erzählt wird, bleibt recht blass. Auch ziemlich fragwürdig bleibt etwa bis zum Schluss, warum Marilyn sich gerade bei ihm, dem unerfahrenen Film-Neuling, ausweint – und in manchen Nächten sogar das Bett mit ihm teilen möchte…Der Fokus läge eben auf Marilyn, könnte man an dieser Stelle zwar erwidern. Doch selbst bei diesem (Haupt-)Handlungsstrang wird einiges an Potential verschenkt. Die Selbstzweifel, die Depressionen, die Marilyn während des Filmdrehs durchlebt, werden nur angerissen und nie wirklich vertieft. So werden zwar immer wieder in paar Tränchen vergossen und die emotionale Zerrissenheit angedeutet – so etwa nach der Fehlgeburt, die Marilyn in einer Nacht erleidet – doch dies immer alles nur in kleinen Dosen, die den Filmzuschauer wohl bloß nicht all zu sehr emotional mitnehmen sollen.

Dies macht den Film zwar angenehm anzuschauen, da man auf diese Art und Weile die seelischen Abgründe Marilyns nicht zu nah an sich heranlassen muss. Gleichzeitig nimmt es dem Film viel an Authentizität. Denn wer sich schon mal halbwegs mit der Biografie Norma Jeane Bakers beschäftigt hat, wird merken, dass die Schauspielerin und Persönlichkeit Marilyn Monroe zu diesem Zeitpunkt ihres Lebens schon viel kaputter war, als es sich dieses Biopic zu zeigen traut. Schade. Etwas mehr Mut hätte dem Film an dieser Stelle sicher gut getan. So ist „My Week with Marilyn“ eben eine schöne, leicht verdauliche Filmunterhaltung, die den Mythos der unwiderstehlichen Marilyn Monroe für 99 Minuten wieder aufleben lässt. Sehenswert vor allem wegen der hervorragenden schauspielerischen Leistung von Michelle Williams!

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Vielen Dank und beste Grüße,

eure Deborah

Mit der Literatur und dem Film ist es ja noch nie leicht gewesen. Wenn ein Regisseur auf die Idee kommt, einen Literaturklassiker zu verfilmen, reagieren die Zuschauer, die das Buch gelesen, vielleicht sogar vergöttert haben, oft mit großer  Ablehnung: „Wie kann man das SO verhunzen? Nein, die Hauptfigur hab ich mir ja ganz anders vorgestellt!“ Auch Oscar Wildes „The Picture of Dorian Gray“ wurde im Laufe der Zeit ganze neunmal verfilmt! Zuletzt übrigens 2009 unter der Regie von Oliver Parker – und das sogar mit prominenter Besetzung: mit Colin Firth als Lord Henry und Ben Barnes als Dorian Gray. Die Filmkritiker teilten harsche Kritik aus. Die Filmzeitschrift Cinema urteilte etwa bissig: „Die kraftlose Inszenierung und die blassen Darsteller tragen diesen Klassiker der Weltliteratur zu Grabe, statt ihn neu zu beleben.“

Nun gehört Oscar Wildes einziger Roman ja bekanntlich zu meinen absoluten Lieblingsromanen. Lange habe ich überlegt, ob ich nicht lieber gänzlich auf die Sichtung einer Verfilmung verzichten sollte. Kann man den herausragenden Sprachwitz von Oscar Wilde und die moralischen Konflikte der Hauptfigur überhaupt filmisch umsetzen? Vor ein paar Tagen fiel mir zufällig die Verfilmung von 1945 (Regie: Albert Lewin) in die Hände – und ich machte prompt die Probe aufs Exempel. Vielleicht war es ja doch mal einen Versuch wert, meinen Lieblingsroman als Verfilmung zu sehen…

Gleich zu Beginn wird klar: Ich hatte es hier mit einer sehr klassischen Verfilmung zu tun, die sich sehr eng an das Original hält. Lord Henry Wotton (gespielt von George Sanders) wird von Anfang an als Hedonist und Zyniker charakterisiert, der keinerlei moralische Bedenken hat, und passenderweise schon in der ersten Einstellung in die Lektüre des Skandalbuchs „Les Fleurs du Mal“ (Die Blumen des Bösen) von Baudelaire vertieft ist. Innerhalb kürzester Zeit bringt er den jungen und bildhübschen Dorian dazu, sich seinem Lebenskonzept des hemmungslosen Genusses anzuschließen. Dorian (gespielt von Hurd Hatfielt) strahlt eine unglaubliche Naivität und Unschuld aus, die der Charakterisierung im Roman sehr nahe kommt. Unter dem Einfluss von Lord Henrys Lobpreisung der Jugend geht er einen verhängnisvollen Pakt ein: Das von dem befreundeten Künstler Basil Hallward gemalte Porträt altert, während er selbst jung und schön bleibt. Er tauscht somit seine  Seele für ewige Jugend ein.

Schnell kommt auch eine Frau ins Spiel: Anders als im Roman verliebt sich Dorian nicht in eine talentierte Schauspielerin, sondern in eine attraktive Varieté-Sängerin namens Sibyl Vane (Angela Lansbury), die fröhlich Abend für Abend ihr Liedchen „Goodbye Little Yellow Bird“ trällert. Dorian ist hingerissen von ihr und beginnt sie eifrig zu umwerben. Wieder unter dem Einfluss von Lord Henry, der sowieso nicht viel von dauerhaften Bindungen hält und diese Einstellung immer wieder in seinen sarkastischen Aussagen äußert, trennt sich Dorian jedoch schon bald von ihr – und um alles noch schlimmer zu machen speist er sie (nach einer angedeuteten Liebesnacht) sogar mit einer hohen Geldsumme ab! Ohne jedoch zu ahnen, wie sich sein Leben dadurch noch verändern wird…

Diese kleinen Abänderungen im Drehbuch sind aber keineswegs negativ zu beurteilen. Zwar fällt dadurch meiner Meinung nach ein zentraler Aspekt des Romans weg: Das Verhältnis von Kunst und Wirklichkeit. Im Roman verliert die von Dorian Gray angebetete (Shakespeare)-Schauspielerin Sibyl Vane ihr Talent, nachdem sie mit ihm liiert ist. Die Liebe, die sie nun im echten Leben erlebt, kann sie plötzlich nicht mehr in ihrem Schauspiel ausdrücken. Das Leben hat somit die Kunst zerstört. Dennoch ist diese Auslassung angesichts einer Lauflänge von 110 Minuten verständlich und zu verschmerzen. Der Fokus der Verfilmung liegt mehr auf den moralischen Bedenken des Protagonisten, der sich immer wieder fragen muss, ob der von ihm eingeschlagene Weg – ein Leben voller Exzesse und Sünden – tatsächlich der richtige ist. Dorian Gray-Darsteller Hurt Hatfielt verkörpert seine Figur auf sehr starre und emotionslose Art und Weise. Selten zeigt sich auf seinem Gesicht eine Veränderung – und das selbst bei sehr fragwürdigen Handlungen! Dies ist zum einen positiv zu bewerten – denn auch im Roman wird Dorian als sehr abweisender und kaltherziger Dandy dargestellt. Gleichzeitig führt dies aber auch dazu, dass wenig über Mimik und Gestik glaubhaft gemacht wird, sondern eine Off-Stimme permanent die Gefühle und Gedanken des Dorian Gray beschreibt. Dies kann natürlich zum einem am Alter des Films (1945!) liegen, denn heute würde man innere Konflikte einer Figur sicher anders zeigen. Zum anderen ist es aber vielleicht auch der literarischen Vorlage von Oscar Wilde geschuldet, in der er bereits so angelegt ist, dass Figuren wenig über ihr Innenleben nach außen tragen. Zwar geben Figuren wie der Oberdandy von allen – Lord Henry – von Zeit zu Zeit geistreiche Bonmots zum Besten. Was diese vermutlich von tiefen Selbstzweifeln und Zynismus zerfressene Figur jedoch wirklich denkt, bleibt unklar. So stützt sich das Lebenskonzept eines Dandys letztendlich doch auch auf folgende Pfeiler: Abgrenzung von der Masse, Passivität, Emotionslosigkeit und Unabhängigkeit!

Diese Bewegungslosigkeit im Schauspiel findet sich jedoch in allen Rollen. Der Film wirkt teilweise wie eine abgefilmte Theateraufführung und spielt größtenteils in den edel ausgestatteten Apartments der Londoner High Society. Zwar wird auf diese Weise der exquisite Lebensstil der Dandys umfangreich bebildert, dies führt jedoch auch zu einigen Längen. Selbst das zentrale Motiv – das Gemälde, das im Laufe der Handlung immer weitere Spuren von Dorians moralischem Verfall aufzeigt – entlockt einem den einen oder anderen Lacher. In besonders dramatischen Momenten (1945 wahrscheinlich unglaublich revolutionär) leuchtet es in grellsten Technicolor-Nuancen!

Das Bildnis von Dorian Gray von 1945 wirkt somit angesichts der filmischen Mittel und des Schauspiels vielleicht an der einen oder anderen Stelle etwas angestaubt. Ignoriert man hingegen den Staub für einen kurzen Moment, erwartet einen eine sehenswerte Literaturverfilmung eines sehr lesenswerten Romans! Ausnahmsweise also mal eine Adaption, bei der sich der liebe Oscar Wilde nicht im Grabe umzudrehen braucht…

Schon die erste Sequenz ist wie ein Gemälde. Am Rande eines großen Flughafens steht eine junge Frau, neben ihr zwei einzelne Gepäckstücke: Ein unhandlicher Reisekoffer, eine Papiertüte. Dem Zuschauer den Rücken zugewandt blickt sie auf das trostlos wirkende Flugfeld. Im nächsten Moment greift sie nach ihrem Gepäck, schaut verloren in der Gegend umher – und verschwindet dann langsam aus dem Blickfeld. Hinter ihr hebt ein Flugzeug ab. Schnitt. Es folgt: Ein paar Sekunden einfach nur schwarz. Dann erst kommt die nächste Sequenz, in der die junge Frau durch eine abgeranzte New Yorker Straße läuft und Musik hört: „I put a spell on you“, dröhnt es eindringlich aus ihrem Radio. Schnitt. Wieder schwarz.

Somit werden schon in den ersten Minuten drei wichtige Elemente eines typischen Jim Jarmusch-Films abhandelt: eine einsame Figur, stilvolle Schwarzweißbilder, einprägsame Musik. Es ist vor allem diese melancholisch-nachdenkliche Grundstimmung, die sich durch das Werk des bekannten Independent-Regisseurs zieht – und mit dem er einen immer wieder zu beeindrucken weiß. Denn die Handlung kann auch bei seinem zweiten (Low-Budget)-Film „Stranger Than Paradise“ nur als nebensächlich angesehen werden – und ist in wenigen Sätzen erzählt.

Der New Yorker Hipster Willie (John Lurie) lebt einfach so in den Tag hinein, haust in einem schmuddeligen New Yorker Appartement und entfernt sich höchstens mal für kleine Einkäufe von seinem Lieblingsplatz vor dem Fernseher. Dies wird anders, als überraschend seine Cousine Eva (Eszter Balint) aus dem fernen Ungarn für ein paar Tage zu Besuch kommt. Die beiden verstehen sich nicht sonderlich gut, dennoch entschließt sich Willie – nach einem hohen Pokergewinn – sie gemeinsam mit seinem besten Kumpel Eddie (Richard Edson) im fernen Cleveland zu besuchen. Die drei gewöhnen sich immer mehr aneinander und beschließen schließlich kurzerhand mit dem restlichen Geld eine Reise zu ihrem Sehnsuchtsort, dem sonnigen Florida, zu unternehmen.

Wie so oft bei Jim Jarmusch-Filmen werden lediglich banale Alltagsgeschichten erzählt. Es wird nur sehr selten auf das Innenleben der Figuren eingegangen, vielmehr werden sie so gezeigt, wie sie sind – und wie sie auf ihre Umwelt wirken bzw. wirken wollen. Da ist der ständig unglaublich cool dreinblickende Willie, der sich lässig eine Zigarette nach der anderen anzündet und dabei blasiert in die Welt schaut. Sein Kumpel Eddie scheint auch nur wenig mit seinem Leben anfangen zu können, lässt alles einfach auf sich zukommen, ohne groß über die möglichen Konsequenzen nachzudenken. Die dritte im Bunde, Eva, ist die jüngste von allen, möchte sich nicht mehr bevormunden lassen und ihre Träume verwirklichen – wird aber auch hier bald von der Realität eingeholt. Oberflächlich betrachtet stellt also jede der Figuren einen bestimmten Typus dar: der coole Draufgänger, der lockere Kumpeltyp und das kratzbürstige Mädchen. Doch bei jedem von ihnen blitzt ab und an auch mal das hervor, was hinter der Fassade steckt, die sie sich mit großer Mühe aufgebaut haben. Das macht diese eigentlich doch recht alltäglichen „Normalo“-Figuren für einen als Zuschauer wieder interessant.

Auch werden die Figuren, wie so oft bei Jim Jarmusch, durch Orte charakterisiert. Wenn Willie, Eddie und Eva mit ihrem Auto durch öde Landschaften fahren, wird in erster Linie auch ihre eigene Orientierungslosigkeit und innere Leere aufgezeigt. Wenn selbst das gelobte Land Florida nur mit kargen Küsten und einem Motel in einer Gegend die man schlichtweg nur als „in the middle of nowhere“ beschreiben kann, aufwarten kann, ist das zweifelsohne als ein deutlicher Hinweis auf das Seelenlage der Figuren anzusehen. Überhaupt wird das Land der unbegrenzten Möglichkeiten in all seiner Hässlichkeit und Unkultiviertheit gezeigt. In “Stranger Than Paradise” ist Amerika in erster Linie ein Land, das nur aus trostlosen Industriestädten und ranzigen Drive-Inns besteht, ein Land, in dem das Abendessen in der Regel ein Fertiggericht ist und lieblos in vorgefertigte Plastikschalen gepresst wird. Dies sei ein “TV-Dinner”, erklärt Willie einmal seiner Cousine stolz. Es scheint für ihn, als gebürtiger Ungar, einer der wenigen Aspekte in seinem Leben zu sein, wo er sich schon voll und ganz als Amerikaner fühlt. Diese Thematik wird wie so vieles aber nur in der Schwebe gelassen.

Jarmuschs Vorgehensweise, Figuren einfach nur in ihrer Alltäglichkeit zu zeigen und etwa über Orte zu charakterisieren, macht es einem als Zuschauer ohne Frage nicht leicht, einen Zugang zum Gesehenen zu bekommen. Auch die sehr experimentelle Technik die jeweiligen Episoden durch harte Schnitte (die erwähnten Schwarzblenden) voneinander zu trennen, trägt nicht gerade dazu bei, in den Film einzutauchen. Hat man sich aber erst einmal an die langsame Erzählweise Jim Jarmuschs gewöhnt, wird man für sein Durchhaltevermögen ohne Zweifel mit einem innovativen und atmosphärischen Independentfilm-Erlebnis belohnt. Die Filmkritiker in Cannes sahen das 1984 wohl auch so – und belohnten Jarmuschs „Stranger Than Paradise“ mit einer goldenen Palme für den besten Debütfilm!

Das war also mal George Clooney in einer ganz anderen Rolle! In dem für den Oscar nominierten „The Descendants“ erlebt man ihn mal als Hawaiihemd tragenden Familienvater, dessen Leben sich von einem Tag auf den anderen schlagartig ändert. Seine Frau verunglückt bei einem schweren Bootsunfall und liegt im Koma, aus dem sie vermutlich nicht mehr erwachen wird. Er erfährt erst jetzt von seiner Tochter, dass seine Frau schon eine ganze Weile eine Affäre hatte. Matt fällt aus allen Wolken – zwar hatte er die Entfremdung in ihrer Ehe schon lange gespürt, aber dass seine Frau ihn schon länger mit einem Anderen betrogen hat, das hatte er nicht geahnt. Kurzerhand macht er sich, mit tatkräftiger Unterstützung seiner beiden Töchter, auf die Suche nach seinem Konkurrenten…

„The Descendants“ kommt zum einen als lockerer leichter Feelgood-Familienfilm daher, hat aber in jedem Fall auch den Anspruch die tragischen Verwicklungen einer vom Schicksal gebeutelten Familie zu zeigen. Denn bereits am Anfang wird klar: Eigentlich stellt diese Familie überhaupt keine Einheit dar. Jeder lebt so vor sich hin ohne große Rücksicht auf andere zu nehmen. Matt jüngste Tochter Scottie (Amara Miller) hat in der Schule im Umgang mit Gleichaltrigen so ihre Schwierigkeiten. Die 17-jährige Alex (Shailene Woodley) lebt fernab der Familie in einem Internat und kämpft mit Alkohol- und Drogenproblemen. Matt selbst fühlt sich nur wenig mit seinen Kindern verbunden, sieht sich nur als zweitrangiger Elternteil. Dies ändert sich plötzlich durch die schwere Krankheit seiner Frau. Zum ersten Mal muss er sich auf die Macken seiner Kinder einlassen und wirklich Verantwortung übernehmen, anstatt sich wie bisher in seinem Anwaltsbüro zu verschanzen.

In einem zweiten Erzählstrang wird auf die lange Familienvorgeschichte eingegangen. Matts Familie lebt seit mehreren Generationen auf Hawaii und besitzt bedeutend viel Land, dessen Verkauf jedoch bereits beschlossene Sache ist. Nur an wen das Land verkauft wird, ist unklar. Matt als Familienhaupt muss, wie in seinen vielen privaten Angelegenheiten, also auch hier Verantwortung übernehmen und die richtige Entscheidung für alle Beteiligten treffen. Keine leichte Aufgabe! Diese Erzählebene gibt der ganzen Familiengeschichte zwar etwas mehr Tiefgang, gleichzeitig ist diese Konstruktion auch wieder sehr hollywood-like. Man hat es hier eben mit einem waschechten sehr amerikanischen Film zu tun, dessen Grundtenor folgender zu sein scheint: „Wir sind eine Familie! Gemeinsam bekommen wir das geschaukelt! Wir müssen nur zusammenhalten!“

Clooney hinter der Hecke. Unglaublich…komisch!

Auch möchte sich der Film leider nicht festlegen, was er nun ist: Tragödie? Oder Komödie? Dies wird nicht recht entschieden. Für eine Tragödie wird sich eindeutig zu oft dem Mittel des schlichten Humors bedient. Die eingebundenen witzigen Szenen wirken teilweise etwas zu sehr gewollt und nicht gekonnt. Gerade Alexs bester Freund verkommt während des gesamten Films immer mehr zum Babysitter – denn irgendwer muss ja die kleine Tochter beschäftigen, während Daddy und große Schwester sich um die ernsten Angelegenheiten kümmern. Auch wird er immer mehr zum Clown, der in jeder Szene einen blöden Spruch reißen muss. Klar, es lockert die doch sehr ernste Handlung auf, lässt einen kurz auflachen – wirkt manchmal aber auch einfach deplatziert. Manchmal stellt sich sogar die Frage, ob der Humor nicht sogar unfreiwillig ist. Wenn George Clooney in geblümten Hemd und Badeschlappen durch sein Wohngebiet rennt (bzw. watschelt) oder hinter einer Gartenhecke mit misstrauischem Blick den Liebhaber seiner Frau beäugt, rutscht einem der eine oder andere Lacher heraus. Oops..sollte das jetzt eigentlich witzig sein? Warum lacht im Kino keiner mit mir? Ich fand es jedenfalls herrlich komisch!

In den ernsten Szenen wiederum fehlt dafür wieder ein klein wenig der Tiefgang. Zwar wird auf die lange Familienhistorie eingegangen, die Tatsache, dass die Familie über Generationen auf Hawaii lebt. Auch wird jede Figur mit ihren ganz individuellen Schwächen gezeigt. Teilweise jedoch werden diese persönlichen Konflikte, die die Figuren mit sich selbst ausstragen, nur am Rande erwähnt. Wie ernst ist etwa das Drogenproblem von Matts älterer Tochter? Was hat es mit der schwierigen Mutter-Tochter-Beziehung auf sich? Vieles wird in der Schwebe gelassen, man will sich gerade ein bisschen berührt und nachdenklich fühlen – und zack! – wird alles Tiefsinnige wieder von einer kurzen witzigen Szene beiseite gewischt.

Dennoch handelt es sich bei „The Descendants“ keinesfalls um einen schlechten Film. Die Schauspieler leisten gute Arbeit, besonders die bisher noch relativ unbekannte Shailene Woodley begeistert als ältere Tochter, die im Laufe des Films deutlich reifer und erwachsener in ihrem Handeln wird. George Clooney zeigt, dass er auch mal eine andere Rolle spielen kann – auch wenn es manchmal zu (unfreiwillig) komischen Szenen führt. Man hat in jedem Fall seinen Spaß dieser doch sehr unharmonischen Familie beim Annähern zuzusehen. Im Grunde genommen besitzt der Film auch alles, was man für einen angenehmen Kinoabend braucht: ein bisschen Familie, ein paar Konflikte, die anfangs unlösbar erscheinen, sich dann aber doch noch zurechtbiegen. Dazu entspannte Hula-Hula Musik gepaart mit schönen Landschaftsaufnahmen, nicht zuletzt eine Prise Humor, ein bisschen Tragik! Und am Ende ist alles gut – was will man eigentlich mehr? Nicht überraschend, nicht sonderlich innovativ, aber angenehm anzusehen!

Nach den überaus komplexen und wenig zugänglichen Charlie-Kaufman-Filmen „Adaption“ und „Being John Malkovich“ habe ich mich nun endlich an das Regie-Debüt von Charlie Kaufman gewagt – Synecdoche, New York. Aller guten Dinge sind bekanntlich drei. Meine, hoffentlich nicht völlig unzusammenhängenden, Gedanken lest ihr jetzt hier!

Theaterregisseur Caden Cotard ist in einer Lebens- und Schaffenskrise. Seine Frau ist mit ihrer gemeinsamen 4-jährigen Tochter nach Berlin abgehauen, um sich als Künstlerin voll zu entfalten. Zurück lässt sie einen Mann, der sich immer mehr in depressiven Gedanken und hypochondrischen Anfällen verliert. Doch Caden bekommt eine Chance:  er erhält ein aussichtsreiches Stipendium, mit dem er seinen Traum von einem Theaterstück, dass das Leben in all seinen Facetten erfasst, verwirklichen will. In einer großen Lagerhalle baut er New York, das Leben seiner Bewohner und letztendlich auch seine eigene Existenz wahrheitsgetreu nach. Das Stück beginnt immer gewaltigere Ausmaße anzunehmen, bis Caden schließlich völlig den Überblick verliert – was ist Realität, was ist Fiktion?

Charlie Kaufman macht es einem ohne Frage auch mit „Synecdoche, New York“ nicht leicht. Das Geschehen erstreckt sich über mehrere Zeitebenen, die manchmal wild miteinander vermengt werden. Teilweise wird die Zeit enorm gerafft – so vergehen innerhalb von wenigen Minuten 17 Jahre, umgekehrt teilweise aber auch äußerst gedehnt. Streckenweise ist der Film sehr langatmig geraten – trotz seiner eigentlich doch relativ durchschnittlichen Lauflänge von 120 Minuten! Aber vielleicht soll das ja auch genau das Grundthema des Films reflektieren… die Sinnlosigkeit der menschlichen Existenz bzw. das Zeitempfinden des Protagonisten. Letzterer muss im Laufe des Geschehens schließlich immer wieder von anderen Figuren daran erinnert werden, wie viel Zeit mittlerweile vergangen ist – 1 Jahr, 7 Jahre, 17 Jahre…

Zu dem ewig pessimistischen Protagonisten bekommt man nur schwerlich Zugang. Geplagt von Selbstzweifeln und immer merkwürdiger werdenden körperlichen Leiden verrennt sich dieser in einem Projekt, das schon von Anfang an unrealisierbar erscheint. Auch wenn einem als Zuschauer Caden Cotards komplettes Leben mit all seinen Hochs und Tiefs (vor allem zweiteres!) präsentiert wird, bleibt einem dieser bis zur letzten Minute seltsam fremd. Auch die anderen Figuren, etwa Cadens Ehefrau oder seine Geliebte Hazel bleiben undurchschaubar und nur schwer greifbar. Definitiv ein Aspekt, der meinen Filmgenuss streckenweise etwas abgemildert hat.

Gleichzeitig macht der Detailreichtum, der in jeder noch so unbedeutend wirkenden Szene vorherrscht, diese Mankos in der Figurengestaltung wieder wett! Schon zu Beginn sind in fast jeder neuen Einstellung kleine Anspielungen auf das spätere Geschehen, aber auch bereits vorher erwähnte Begebenheiten versteckt. Es macht Spaß, diese zu entdecken – vermutlich lohnt es sich allein deswegen, „Synecdoche, New York“ mehrmals zu sehen. Auch die unterschwellig eingebundenen philosophischen Gedanken über das Leben, die Liebe, den Tod und die Kunst kann man unmöglich auf dem ersten Blick erfassen – und wenn es für’s Erste auch nur die an Shakespeare angelehnte Erkenntnis ist: „Die ganze Welt ist eine Bühne und alle Frauen und Männer bloße Spieler.“

Abgesehen von den wenig zugänglichen Figuren, die ich am Drehbuch doch bemängele, sind die schauspielerischen Leistungen hervorragend. Philip Seymour Hoffman brilliert in der Rolle als psychotischer und nahezu größenwahnsinniger Theaterregisseur, der die Kontrolle über sein Opus magnum und letztendlich auch seine eigene Existenz verliert. Auch seine Doppelgänger, die nach und nach auftauchen und das Geschehen verkomplizieren, ebenso wie die weiblichen Figuren (u.a. gespielt von Catherine Keener, Michelle Williams und Samantha Morton) überzeugen in ihren Rollen.

„Synecdoche, New York“ ist definitiv ein enorm verschachteltes und komplexes filmisches Labyrinth, das sich in jedem Fall zu entdecken lohnt. An jeder Ecke lauern neue Eindrücke und Gedanken, die sich einem auf dem ersten Blick zwar manchmal nur schwerlich erschließen – aber vielleicht beim zweiten, dritten oder vierten Mal. Genug Stoff zum Nachdenken bietet der Film jedenfalls!

Einen Stummfilm im Jahr 2011 zu drehen – ohne Frage ist das ein sehr außergewöhnliches Projekt, an das sich der französische Regisseur Michel Hazanavicius da gewagt hat. Schon jetzt wird sein Werk über die Stummfilm-Ära als heißer Oscar-Kandidat gehandelt – „The Artist“ ist in insgesamt 10 Kategorien (darunter „Bester Film“, Beste Regie“ und „Bester Hauptdarsteller“) nominiert. Zu Recht. Denn „The Artist“ ist ohne Zweifel ein ganz besonderer Film. Ob „The Artist“ jedoch tatsächlich auch für den Oscar gemacht ist, bleibt abzuwarten. Verdient hätte der Film den einen oder anderen Goldjungen auf jeden Fall!

Die Geschichte des Films spielt im Hollywood der späten 20er Jahre. Stummfilmdarsteller George Valentin (Jean Dujardin) feiert mit seinen Filmen große Erfolge und wird von den Zuschauern geliebt. Nach einer Filmvorführung trifft er zufällig auf die junge und bildhübsche Peppy Miller (Bérénice Bejo), die ihm nacheifert und selbst Schauspielerin werden möchte. Kurzentschlossen bewirbt sich Peppy am nächsten Morgen bei den Kinograph Studios als Statistin für Georges neuen Film „A German Affair“ und überzeugt prompt durch ihre besondere Ausstrahlung. Mit der Zeit ergattert sie immer begehrtere und renommiertere Rollen und mausert sich zum Star – während sich für George das Blatt zu wenden beginnt. Denn das Ende der Stummfilm-Ära lässt sich schon längst nicht mehr leugnen. „Das Publikum will frische Gesichter, die mit ihnen sprechen!“, erklärt Filmproduzent Al Zimmer an einer Stelle dem verzweifelten George, der nicht einsehen will, dass seine Zeit als Stummfilm-Star vorüber ist. Mit voller Energie kämpft er für seinen Traum…
Nach einer kurzen Eingewöhnungsphase wird man schnell in das mitreißende Geschehen dieses modernen Stummfilms hineingezogen – denn natürlich ist die Machart von „The Artist“ grundverschieden zu den heutigen Sehgewohnheiten! Der Film fordert einem als Zuschauer deutlich mehr Aufmerksamkeit ab. Zwar ist das Geschehen immer wieder mit einzelnen Texttafeln unterlegt, größtenteils heißt es bei „The Artist“ jedoch einfach: genau hinschauen und die brillianten Schwarzweißbilder auf sich wirken lassen! Es fällt einem auch erst wieder auf, wie wichtig eigentlich Mimik und Gestik sind. Wenn Peppy den von ihr hingerissenen George minutenlang vollquasselt, ist es nämlich überhaupt nicht wichtig, was sie sagt, sondern vielmehr was diese zwei Menschen ohne Worte ausdrücken – eindeutig mehr, als es Worte je schaffen würden: man spürt förmlich die Anziehungskraft und Sympathie zwischen den beiden, man sieht die leuchtenden Augen von George, während er Peppy förmlich an den Lippen hängt, Peppys charmantes Lächeln, das so viel mehr aussagt als ein gewöhnlicher Dialog in jeder anderen (heutigen) Filmromanze.
Das macht den Film vielleicht auch gerade so faszinierend. Durch die fast gänzlich fehlenden Worte, ist man als Zuschauer viel mehr gefordert, selbst interpretatorische Ansätze zu entwickeln und das Gezeigte intensiver zu beobachten. Emotionen werden einem nicht vorgekaut – das was die Figuren empfinden, kann man nur erahnen. Sowohl Jean Dujardin als auch Bérénice Bejo haben diese für einen heutigen Schauspieler sicher auch nicht leicht zu bewältigende Aufgabe jedoch hervorragend gemeistert. Beide überzeugen voll und ganz in ihren Rollen – als wären sie direkt per Zeitmaschine aus den 20er Jahren angereist!
Gleichzeitig spielt Michel Hazanavicius auch mit dem Stummfilm-Genre, streut immer wieder witzige Seitenhiebe und Anspielungen ein, die einen darauf hinweisen, dass man gerade einen modernen Stummfilm guckt. Überhaupt bleibt einem an vielen Stellen nicht verborgen, dass sich der Regisseur vor dem Dreh seines Films intensiv mit Filmen aus dieser Ära beschäftigt hat (nach eigener Angabe hat er 150 Stummfilme gesichtet!) Wer sich ein wenig mit der Filmhistorie auskennt, wird also an seinem Stummfilm „The Artist“ umso mehr seine Freude haben – was für eine wunderbare Hommage an das frühe Kino und das Filmemachen!

Kleiner Vorgeschmack gefällig? Hier geht’s zum Trailer!

Herzerwärmend, aber auch tieftraurig, amüsant und „irgendwie independent“ – ich hatte schon sehr viel über die Tragikomödie „Beginners“ gehört und gelesen. Aber irgendwie wollte das mit der Sichtung einfach nicht klappen. Erst wurde der Film in meiner Marburger Uniheimat groß im Filmkunstkino angekündigt, lief dann aber auf einmal doch nicht. In Berlin lief er natürlich an jeder Ecke, aber zu dem Zeitpunkt war ich nicht in Berlin! Tja, wie das mit manchen Filmen eben leider so ist. Man will sie sehen, bekommt es aus irgendwelchen Gründen aber einfach nicht hin. Unterdessen ist glücklicherweise die DVD erschienen, so dass der Heimkino-Sichtung endlich nichts mehr im Wege stand. Damit zu meiner eigentlichen Rezension

„Beginners“ enthält viele Elemente einer typischen Indie-Tragikomödie: Ein Protagonist, der seinen Platz im Leben noch nicht so recht gefunden hat. Ein hübsches Mädchen, dass dieser auf völlig unkonventionelle Art und Weise kennen und lieben lernt. Und ein skurriler Humor, der die ganze Handlung auflockert. Der Protagonist ist in diesem Fall der 38-jährige Grafikdesigner Oliver (Ewan McGregor), der nach dem Tod seines Vaters (Christopher Plummer) den Boden unter den Füßen verloren hat und nun wieder versucht Struktur in sein Leben zu bringen. Bei einer wunderbar inszenierten Kostümparty (Oliver verkleidet sich als Sigmund Freud!) lernt er die französische Schauspielerin Anna (Mélanie Laurent) kennen, mit der er sich sofort auf eine ganz besondere Weise seelenverwandt fühlt – und das ohne Worte! Zwischen den beiden entspinnt sich eine zarte Romanze, in deren Verlauf jedoch beide erst merken, was sie wirklich verbindet: Die Unfähigkeit enge Beziehungen aufrecht zu erhalten.

Doch längst nicht nur die Liebesgeschichte zwischen Oliver und Anna wird auf berührende Weise geschildert. In Rückblenden wird die Beziehung zwischen Oliver und seinem krebskranken Vater Hal beleuchtet, der sich erst wenige Jahre vor seinem Tod zu seiner unterdrückten Homosexualität bekannte. Auch wenn sich der gesundheitliche Zustand seines Vaters mit der Zeit immer weiter verschlechtert, lehrt ihm sein Vater eines: sein Leben in vollen Zügen zu genießen, solange es noch geht!
„Beginners“ gelingt das, was nur wenige Filme mit einer solchen Thematik hinbekommen: Tragik und Komik sind wunderbar ausbalanciert. Die behandelten Themen (schwierige Liebesbeziehungen, Krankheit, Vater-Sohn-Beziehung) bieten sich geradezu an, auf kitschige (und vor allem oberflächliche und seichte) Art und Weise dargestellt zu werden. Aber genau das ist der Film in keinem Moment! Die Augenblicke, in denen man sich mit den Figuren freut oder sie am liebsten trösten würde, wechseln sich ständig ab.

Die Schauspieler überzeugen zudem alle in ihren Rollen. Ewan McGregor blüht in der Rolle des nicht ganz so erfolgreichen und vor allem nach dem Tod seines Vaters völlig aus der Bahn geworfenen Grafikdesigners auf. Mélanie Laurent spielt die charmante Französin auf wunderbar leichtfüßige Art (was für ein Lächeln! Was für ein Leuchten in den Augen!). Nicht zuletzt glänzt auch Christopher Plummer als schwer kranker Vater, der sich dennoch von nichts und niemandem seinen Lebensmut nehmen lassen will. Melancholisch, aber dennoch hoffnungsvoll. Bewegend, aber dennoch nicht allzu sehr auf die Tränendrüse drückend. Ein liebenswürdiger Film, der einen auf keinen Fall unberührt lässt. Ja, das ist „Beginners“!