Die Story in sechs Sätzen: Bummelstudent Momo entrinnt der Provinz und beginnt ein Studium der Wirtschaftsmathematik in Darmstadt. In den ersten sechs Semestern studiert Momo vor allem das Nachtleben und die Frauen - nach seinem Vordiplom schiebt er ein Auslandsjahr in Australien ein. Plötzlich ist Langzeitstudent Momo im 13. Semester, will endlich seinen Abschluss machen, merkt aber dass er seit Jahren nichts für die Uni gemacht hat, noch dazu hat ihn seine Freundin Kerstin verlassen. Momo beginnt zu lernen, schließt sein Studium ab, erobert Kerstin zurück und macht eine Würstchenbude auf. Denn merke: Ein Abschluss macht erfolgreich!

Wie war’s: Vollmundig wird 13 Semester als „erster deutscher Studentenfilm” angekündigt, der das „typisch charmant liebenswerte Chaos deutscher Studenten unter die Lupe nimmt”. Der „Feel-Good-Movie” soll unkonventionell, lustig und authentisch sein. An seinen eigenen Ansprüchen gemessen, ist 13 Semester leider durchgefallen. Denn seit der Einführung von Bachelor- und Masterstudiengängen ist es alles andere als „authentisch” 13 Semester an der Uni zu versacken. Der Durchschnittsbachelorstudent ist gerade einmal sechs Semester an der Hochschule, bei steigender Arbeitsbelastung und mehr Leistungskontrollen. Hier hätte ein bisschen Recherche im Hörsaal nicht geschadet. Dadurch wirkt 13 Semester recht veraltet, er zeigt höchstens wie es früher einmal war und warum das auch Nachteile hatte. Das ist schade, denn der Film hat durchaus auch gute Seiten. Zum Beispiel den guten Soundtrack, zu dem auch die Berliner Untergrundband Bonaparte einen Song beigesteuert hat. Die Figuren des Films sind sorgsam ausgearbeitet. Bummelstudent Momo überzeugt und lässt den Zuschauer gut nachfühlen, warum aufschieben einfach angenehmer ist, als überhaupt erst anzufangen. Der Film entwickelt seine Komik größtenteils aus den Figuren heraus und setzt nicht nur auf plumpen Slapstick. Ob sich der deutsche Studentenfilm ähnlich dem amerikanischen College-Film etabliert, bleibt vorerst fraglich. Wird wahrscheinlich erst was in den nächsten Semestern.

Der Dialog:

Dirk: Wir studieren hier Wirtschaftsmathematik und nicht Sozialpädagogik.
Momo: Aber ich werde hier nicht gerade aus der Lerngruppe geworfen, oder?
Dirk: Wir müssen jetzt echt mal einen anderen Gang einlegen!

Fakten, Fakten, Fakten:
Regisseur: Frieder Wittich.
Schauspieler: Max Riemelt, Alexander Fehling, Claudia Eisinger, Robert Gwisdek, Amit Shah.
Länge: 101 Minuten
Anekdote: Regisseur Frieder Wittich hatte während der Filmarbeiten für einen Tag ein Beratungsgespräch mit Victor von Bülow (Loriot).

Wo kann man den Film sehen?
Kinostart ist der 7. Januar 2010

In mehr als einem Dutzend “Balduin”-Filmen hetzte Louis de Funès als chronischer Choleriker gleichen Namens durch die Szenerie. Die Komödien wurden seit Beginn der 1950er Jahre in zunehmend schnellerer Folge gedreht, allein in den 1960er Jahren spielte de Funès in mehr als zwanzig Filmen mit. Das sind mehr als zwei Produktionen pro Jahr. Filmblog-Redakteur Konstantin hat sich die Produktion Balduin, der Ferienschreck auf DVD angeschaut. Ist der Film heute noch lustig?

Die Story in sechs Sätzen: Louis de Funes, die wandelnde Katastrophe, schlägt wieder zu: Er leitet eine Ferienschule in Frankreich. Sein Sohn Philipe, Goldmedaillenträger im Faulenzen, bekommt für sein Englisch eine schlechte Note und soll daher auf Anweisung des Vaters nach Schottland geschickt werden. Doch statt ihm schickt der schlaue Filius seinen Freund Stephane. Balduin wird alsbald nach Schottland gerufen, da sein scheinbarer Sohn krank wird und deckt den Schwindel auf. Um Peinlichkeiten aus dem Weg zu gehen, bedrängt er Stephane, weiterhin seinen Sohn zu spielen. Dieser und das ansässige Schottenmädchen Shirley haben aber andere Pläne und reisen durch ganz Europa. Natürlich immer verfolgt von Balduin. Am Ende lernen sich Shirley und Philipe kennen und lieben, Stephane geht leer aus.

Wie war’s: Zielsicher beschifft Louis de Funes in diesem Schottisch- Französischen Ferienabenteuer alle Ecken und Kanten des europäischen Humors. Zahlreiche Wortspiele warten neben Running Gags (beim dritten Mal wird’s allerdings langweilig) und Situationskomik auf Lacher. Funes’ einzigartige Mimik und viel Liebe zum Detail machen aus einer an und für sich altbackenen Verwechslungskomödie einen 1A-Streifen mit vielen Überraschungen.

Der Film ist verglichen mit anderen Werken des Franzosen sehr actionreich, nur am Anfang überwiegen noch die Dialoge. Auch viele verschiedene Schauplätze sorgen für Abwechslung. Verglichen etwa mit „Der Querkopf”, wo die gesamte Handlung in einer Stadt angelegt ist, hat „Balduin der Ferienschreck” also einen deutlichen Vorteil.

Zur Filmmusik lässt sich weniger Gutes sagen: Schmierige Streichermusik erfreut das Ohr nicht gerade, ist in diesem Film von 1967 aber passend untergebracht. Weitere Schwächen werden bei der Betrachtung sichtbar: Wird da nicht das eine oder andere Mal krampfhaft versucht lustig zu sein? Wie man im unten angehängten Dialog sieht, lockt das was in den sechziger Jahren womöglich ungeheuer lustig wirkte, heute nur noch ein paar Lächler hervor.

Nun diese schwachen Witze und der Hang zu Wiederholungen, getarnt als Running Gags, sind verzeihbar. Alles in allem ein solider Komikstreifen, den man mehr als einmal sehen und lustig finden kann. Im Selbsttest klappte es bereits drei Mal.

Der Dialog:

Schotte: Darf ich ihnen Feuer geben?
Balduin: Ja, Feuern sie mir eine !
Dann (rauchend): Vielen, aber herzlichen Dank!

Fakten zum Film:
Alternativer Titel: Der Brausekopf mit den Sausebeinen
Regie: Jean Girault
Schauspieler: Louis de Funès, Ferdy Mayne, Martine Kelly, François Leccia, Olivier de Funès (Ja, es handelt sich um den Sohn von de Funés)
IMDB: 6.5 von 10 Sternen

Mehrere positive Rezensionen im Netz (u.a. bei critic.de und im Blog meiner Schwester) haben mich ermuntert, mir auch mal den neuen Woody Allen-Film Whatever Works - Liebe sich, wer kann anzuschauen. Nach dem sehr guten Match Point und dem ziemlich enttäuschenden Vicky, Cristina, Barcelona war ich gespannt, was der gebürtige New Yorker Allen diesmal auftischen würde.

Die Story in vier Sätzen: Der neurotische, verbitterte Ex-Physiker Boris Yellnikoff sieht seinen Lebenssinn nur noch darin, alles schlecht zu reden und die Sinnlosigkeit des Seins in seinen Theorien herauszustellen. Eines Abends stolpert ihm die junge, naive Ausreißerin Melody ins Haus, die beiden verlieben sich, werden ein Paar und heiraten. Melodys frisch geschiedene, erzkonservative Mutter taucht auf, versucht ihre Tochter neu zu verkuppeln und findet schließlich in New York selbst mehrere Partner. Am Ende sind alle glücklich.

Wie war’s: „Dies ist kein Wohlfühlfilm” raunzt Boris Yellnikoff die Zuschauer gleich in der ersten Szene an. Das ist natürlich ausgemachter Quatsch, denn bei Whatever Works handelt es sich um genau das. Verdeckt wird es freilich von den skurrilen Charakteren: Da trifft der nihilistische Pessimist Yellnikoff auf das supernaive Blondchen Melody, ihre ebenso tumbe Südstaatenmutter wird mit den liberalen Werten in der Künstlerszene New Yorks konfrontiert und ihr Vater entdeckt nach einem Kneipenbesuch plötzlich seine homosexuellen Neigungen. Das alles ist ziemlich konstruiert und kann eigentlich nur funktionieren, wenn die zweite wichtige Zutat einer Komödie stimmt: Die lustigen Pointen. Doch genau an diesen mangelt es Whatever Works leider. Woody Allen hat das Skript dem Bekunden nach schon in den 1970er Jahren geschrieben und aus dieser Zeit scheinen auch die Gags zu stammen. Das geht dann zum Beispiel so:

Melody: Ja, worin sind sie ein Genie?
Boris: In Quantenmechanik
Melody: Und in welchem Bereich genau…Musik?

Ha ha ha, was haben wir gelacht. Aber: Melodys Blödheit ist nicht konstant. In einer anderen Szene äußert sie plötzlich Theoriemuster, die ihre Vorstellungskraft eigentlich weit übersteigen müssten und schafft es so Boris davon zu überzeugen, dass sie doch auf einer Wellenlänge liegen. Dieser plötzliche Wechsel zwischen superblöd und halbwegs schlau ist schlicht unglaubwürdig, muss aber vermutlich sein, damit die Story überhaupt irgendwie weitergeht. Das Handlungsgerüst ist nämlich höchst wackelig und zielt nur darauf ab, jede Person mit einer Herausforderung beziehungstechnischer Art zu konfrontieren. Melodys Mutter Marietta (natürlich fundamentale Christin, Abtreibungsgegnerin, Patriotin, Klischeefigur) trifft auf den Hobby-Philosophen Leo, wird selbst zur Künstlerin und wirft ihre ganzen bisherigen Überzeugungen über den Haufen. Melodys Vater überdenkt zwei gescheiterte Beziehungen in einer Kneipe und kommt prompt mit einem Schwulen ins Gespräch. Völlig logisch, dass er auch selbst gleich schwul wird. Und selbst Boris findet nach einer Trennung von Melody noch eine passende Frau. Sie wird fünf Minuten vor Schluss aus dem Hut gezaubert und passt ziemlich perfekt zu ihm. Schnell noch eine Abschiedsszene, in der alle glücklich zusammen Silvester feiern. Sogar Boris ist nicht mehr ganz so griesgrämig. Spätestens da ist der Groschenroman perfekt. Das eigentlich Ärgerliche an Woody Allens Film ist aber, dass er seine Herkunft nicht eingesteht, sondern sie mit einer Vielzahl an pseudointellektuellen Betrachtungen über die Welt, die Religion und die Liebe verkleistert. Es wird entsetzlich viel gelabert und verflucht wenig gehandelt. Erkenntnis am Ende gleich Null. Eine große Enttäuschung.

Fakten zum Film
Original-Titel: Whatever Works
Länge: 92 Minuten
Regie: Woody Allen
Schauspieler: Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson
Wertung IMDB: 7.4 von 10 Sternen, was ich für viel zu hoch halte (vermutlich wird Wert im Laufe der Zeit auch noch etwas sinken)
Tomatometer von rottentomatoes.com: 47 % aus 124 ausgewerteten Filmkritiken.
Metacritic: 45 % aus 30 ausgewerteten Rezensionen.

Story in drei Sätzen: Kowalski will einen weißen Dodge Challenger von Denver in Colorado nach San Francisco bringen. Konsequent fährt er Vollgas, macht keine Pausen und hält sich mit Pillen wach. Schon bald wird er von der Polizei gejagt, bekommt jedoch unverhofft Hilfe von einem blinden Radio-DJ, einer nackten Bikerin und einem alten Schlangensammler.

Wie war’s: Hart fressen sich die Spikes der Bulldozer in den Asphalt, die Ordnungsmacht baut eine letzte Straßensperre auf, um Kowalski zu stoppen. Vanishing Point beginnt mit harten Schnitten: Kowalski im Sportwagen, über ihm der Polizei-Helikopter, er rast mit unvermindertem Tempo auf die Straßensperre zu. Doch es ist zu früh für den Tod: Kurz vor dem Aufprall bremst Kowalski hart ab, er stellt sich der direkten Konfrontation nicht - noch nicht.

Es beginnt der eigentliche Film, der in einer einzigen langen Rückblende erzählt wird. Unterbrochen nur von kurzen Filmschnipseln aus Kowalskis früherem Leben. Wir erfahren, dass er früher Rennfahrer und Polizist war. Seine Freundin hat sich das Leben genommen, er selbst muss den Dienst als Ordnungshüter wegen einer Drogengeschichte niederlegen. Trotzdem ist Kowalski nicht unzufrieden mit dem was er tut. Das liegt vielleicht daran, dass nicht besonders viel tut, außer Tag und Nacht Auto zu fahren. Gegen ein spontanes Rennen hat er nichts einzuwenden, aber es geht ihm nicht um Geld oder Ruhm. Kowalski lebt die Freiheit der Straße. Für den farbigen, blinden Radio-DJ „Super Soul” wird er so zum „letzten amerikanischen Helden”. In seiner Radiosendung feiert er Kowalski ohne ihn je gesehen zu haben.

Die Polizei kommt in dem Film aus dem Jahre 1971 überaus schlecht weg: Die Ordnungshüter sind zynisch, brutal, rassistisch. Sie jagen Kowalski mit einem enormen Aufwand, ohne dass der einzelne Beamte überhaupt ahnt, was Kowalski verbrochen hat. So spekulieren zwei Cops in einer Szene, der Verfolgte müsse doch mindestens ein Mörder sein. Vanishing Point wird so zum Spiegel seiner Zeit: Auf der einen Seite die 68er Bewegung der USA in Form von Hippies, Wanderpredigern oder Bikern für die Kowalski zu einer Art Held wird, auf der anderen Seite die brutale Ordnungsmacht, die repressiv gegen jeden vorgeht, der nicht in das Schema passt. Diesen Gegensatz vermittelt der Film nicht gerade subtil, dafür aber umso konsequenter.

Am Ende des Films kann daher nur der Tod Kowalskis stehen: Er rast erneut auf die Straßenblockade zu, lachend. Beim Aufprall explodiert das Auto. Das Ende lässt zwei Interpretationen zu: 1. Kowalski hat den Tod bewusst ins Auge gefasst, er sieht keinen anderen Ausweg als den Wagen gegen die Blockade zu setzen. 2. Kowalski denkt, dass er noch durchbrechen kann. Deshalb lacht er auch. Diese Interpretation wird von Hauptdarsteller Barry Newman gestützt, der sie vor einigen Jahren in einem Interview vorbrachte.

Vanishing Point funktioniert immer dann am besten, wenn er sich auf seine existenzialistischen Wurzeln berufen kann: Kowalskis Lebenssinn spiegelt sich in dem weißen Sportwagen wieder, würde er nicht fahren, er hätte kein richtiges Leben. Diese Ausschließlichkeit verleiht dem Film Stärke und hebt ihn aus der Masse an mehr oder weniger gelungenen Rennfilmen heraus. Mit gewissen Ähnlichkeiten in der Handlung, aber noch aussichtsloserem Tenor und einer deprimierenden Grundhaltung ist evtl. Asphaltrennen (1971) einen direkten Vergleich mit Vanishing Point wert.

Fakten, Fakten, Fakten:
Deutscher Titel: Fluchtpunkt San Francisco
Regie: Richard C. Sarafian
Darsteller: Barry Newman, Cleavon Little, Dean Jagger, Victoria Medlin, Paul Koslo
Remake: 1997 gab es ein Remake für das US-Fernsehen mit Viggo Mortensen als Kowalski und ohne die esoterischen Szenen des Originals.
OFDb: Mehr Infos zu Vanishing Point (Fluchtpunkt San Francisco)

Die Story in drei Sätzen: Steven ist ein echter Loser-Typ. Er wohnt mit 30 immer noch bei seinen Eltern, hat gerade seinen Job verloren und bei den Frauen hat er mit seiner trotteligen und unsicheren Art auch nicht gerade Erfolg. Nach langer Zeit macht er schließlich seinen Kindheitstraum (Bauchreden mit Bauchrednerpuppe) wahr und stößt damit auf ganz unterschiedliche Reaktionen bei  seiner egozentrischen Familie, seiner ständig fluchenden Punk-Freundin und auch seines Schwarms Lorena.

Wie war’s: Was sich zunächst wie ein äußerst ungewöhnliches Thema für einen Film anhört, stellt sich als durchaus interessante Thematik heraus. Ich meine, wer spricht in unserer heutigen Zeit schon viel über die Fähigkeit des Bauchredens? Schon die Charaktere des Films sind sehr skurril: Da ist zum einen Stevens völlig schräge Familie mit dem ständig Modellschiffe-bauenden Vater, der überengagierten Mutter, die jedem ihre Thunfisch-Sandwiches andrehen will und der schrillen und hektischen Schwester, die als Hochzeitsplanerin arbeitet, ihr eigenes Liebesleben aber nicht in den Griff bekommt. Zwischen diesen überaus lauten und extrovertierten Menschen wirkt Steven mit seiner Schüchternheit und Unsicherheit natürlich etwas fehl am Platz. Als er am Frühstückstisch verkündet, dass er seinen Job kündigen wird, sagt er dies bestimmt drei oder viermal, aber niemand beachtet ihn. Noch komplizierter wird das Ganze, als er sich in seine Jobberaterin Lorena (Vera Formiga)  verliebt und sich sogleich, weil er nicht weiß, wie er sich ihr nähern soll, an seine beste Freundin Fangora (Milla Jovowich) wendet, die ihm aber wenig erfolgsversprechende Tipps in Sachen Liebe gibt. Dies führt aber zu durchaus lustigen Szenen…

Wenn man sich an die schrägen Figuren, aber auch die etwas ungewöhnliche Handlung erstmal gewöhnt hat, kann man dem Film durchaus Gutes abgewinnen. Natürlich merkt man schon, dass die Produktion des Films sicher nicht Unmengen an Geld gekostet hat, dennoch spielen ja durchaus bekannte Schauspieler wie Adrien Brody (Der schmale Grat, Der Pianist, King Kong) und Milla Jovovich (Das fünfte Element, The Million Dollar Hotel, Zoolander) mit, die sich für diese etwas kleinere Produktion nicht zu schade waren. Die Liebesgeschichte zwischen Steven und Lorena ist ebenso liebevoll umgesetzt, wie die Szenen, in denen Steven sich mit seiner Bauchrednerpuppe, also gewissermaßen mit sich selbst unterhält und über das Geschehen reflektiert. Die Story wird auf sehr kreative Art und Weise erzählt, sodass man als Zuschauer unbedingt auch auf kleine Details achten sollte. Fazit: Dummy ist eine schräge Liebeskomödie, die sich vom gewöhnlichen Einheitsbrei abhebt.

Der Dialog:

Lorena (während ihrer Arbeit als Jobvermittlerin): Und wo waren sie zuletzt beschäftigt?
Arbeitsloser: In der Brikett-Branche. Das war eine echte Herausforderung. Einfach entzückend.
Lorena (zieht Blazer aus): Oh, okay. War das in diesem Jahr oder letztens?
Arbeitsloser (mit erhobenen Augenbrauen): Das war in den goldenen Siebzigern!

Diverse reichlich unnütze Fakten:
Regisseur: Greg Pritikin
Darsteller: Adrien Brody, Milla Jovovich, Illeana Douglas, Vera Farmiga, Jessica Walter
Länge: 88 Minuten

Wo kann man den Film sehen?
Zum einen ist der Film natürlich auf DVD erschienen. Allerdings kann man ihn auch kostenlos (mit kleinen Unterbrechungen zwischendurch) bei MyVideo.de sehen. Auch wenn er in der Kategorie „Drama” eingeordnet ist, würde ich ihn eher als Komödie einordnen. Der Link hierzu: http://www.myvideo.de/Filme?kID=7597

Die Story in drei Sätzen: Burt und Verona sind eigentlich ein ganz normales junges Paar, das Nachwuchs erwartet. Als die beiden jedoch erfahren, dass Burts Eltern nicht als Großeltern fungieren können, weil sie nach Belgien auswandern, sehen die beiden auch keinen Grund in ihrer alten Heimat zu bleiben. Sie reisen quer durch Amerika und Kanada, treffen immer wieder alte Bekannte und Freunde (die sich im Laufe der Jahre natürlich auch verändert haben!), ständig auf der Suche nach einer neuen Bleibe für ihre kleine Familie.

Wie war’s: In den ersten Minuten des Films könnte man noch denken, dass einen ein typisches Road-Movie mit etwas plattem Humor erwartet. Dieser Eindruck wandelt sich aber spätestens, als die Reise der beiden richtig losgeht. Immer wieder werden episodenartig skurrile Begegnungen mit alten Bekannten und Freunden gezeigt, die dem jungen Paar verschiedene Familien- und Lebensentwürfe aufzeigen. Da ist beispielsweise die schrille und taktlose Lily (Alison Janey), die ihre Kinder beleidigt („Die hören doch gar nicht was ich sage.”) und bedauert, dass sie nicht in die Gesellschaftskreise in Phoenix hineinkommt. So versucht ihr Mann beispielsweise erfolglos in den örtlichen Golfclub aufgenommen zu werden. Ehrlich gesagt wundert man sich als Zuschauer aber darüber auch keine Sekunde, hat man doch das laute und peinliche Auftreten der Familie in der Öffentlichkeit lang genug gesehen.

Eine weitere witzige Episode liefert das Zusammentreffen mit der Esoterik-Feministin L.N. (Maggie Gyllenhaal), die Kinderwagen strikt ablehnt und mit ihrer Familie in einer Art Kommune lebt. Zu den stärksten Szenen im Film zählt sicher der Moment, in dem Burt der Kragen platzt und L.N. sowie ihren Mann mit seiner Meinung zu ihrem Lebensstil konfrontiert.

Doch der Film hat auch nicht nur lustige und klamaukige Szenen zu bieten. Direkt nach den eben beschriebenen Episoden schlägt der Film deutlich leisere Töne an. Das junge Paar erfährt, dass es mit der erträumten Familie nicht immer so klappt, wie man möchte. Auch, dass eine ehemals glückliche Familie zerbrechen kann, wird ihnen nach einer Episode in Miami klar. Vor allem werden in diesem Teil des Films eigentlich auch die ernsthaftesten Fragen gestellt: Wie wollen wir leben? Was ist uns als Familie wichtig? Eine berührende Szene am Ende des Films gibt schließlich die Antworten, als sich Burt und Verona gegenseitig Versprechen für ihr neues Leben machen.

Nach Zeiten des Aufruhrs (2008) ist Oscar-Preisträger Sam Mendes wieder ein Film gelungen, der sowohl ernste, aber auch lustige Seiten des Lebens aufzeigt. Die in Deutschland noch unbekannten Schauspieler John Krasinski und Maya Rudolph bringen gleichzeitig frischen Wind in den Film und brillieren in ihren Rollen als suchende Eltern. Wer eine liebenswerte Komödie mit Tiefgang sehen möchte, ist mit diesem Film sicher gut beraten.

Diverse reichlich nutzlose Fakten:
Regisseur: Sam Mendes
Darsteller: John Krasinski, Maya Rudolph, Maggie Gyllenhaal, Alison Janey, Jim Gaffigan…
Länge: 98 Minuten
Kino: Der Film erscheint nächste Woche (15.10.2009) offiziell in den deutschen Kinos.

Die Story in drei Sätzen: 100 Jahre nach seinem unfreiwilligen Ableben wird Graf Dracula im Jahr 1972 von einer Partyclique während einer schwarzen Messe wiederbelebt. Unter den Teenagern befindet sich auch Jessica, eine Ururenkelin des bekannten Vampirjägers van Helsing. Schon bald schwebt sie in großer Gefahr, denn Dracula und sein Assistent Johnny Alucard wollen sie und ihre Familie ein für alle mal auslöschen.

Wie war’s: Die britischen Hammer-Studios produzierten seit den 1950er Jahren Horrorfilme am Fließband. Dracula, Frankenstein, Jekyll & Hyde - was Angst machte und sich gut verkaufen ließ, wurde in immer neuen Varianten in die Kinos gebracht. Dracula jagt Minimädchen (oder Dracula A.D. 1972 wie der Film im Original heisst) setzt dann auch auf klassische Elemente der wilden Siebziger: Fetzige Rockmusik, Drogenkonsum und schrille Farben dominieren die Szenerie und sollen der alten Geschichte um den Fürsten der Finsternis neue Frische verleihen. Wer jetzt an einen Graf Dracula denkt, der auf einer illegalen Hausparty in der Ecke steht und an seinem Joint zieht ehe er sich auf seine weiblichen Opfer stürzt, liegt gänzlich falsch. Dracula jagt die Minimädchen nämlich nicht selbst, er lässt jagen. Johnny Alucard (man lese seinen Namen mal rückwärts) erledigt die Drecksarbeit für den rumänischen Fürsten. Er überredet die Clique zu der schwarzen Messe, führt in einer entweihten Kirche das okkulte Ritual durch und erweckt so Dracula zum Leben. Doch statt Dankbarkeit warten nur neue Aufträge auf ihn: Der Fürst der Finsternis braucht ständig Blut, einige Freundinnen von Jessica van Helsing müssen also dran glauben. In einem zweiten Handlungsstrang ermittelt die Londoner Polizei nun ziemlich ratlos in den Mordfällen (denn Vampire, so kann man sich an dieser Stelle merken, sind beim Verstecken von Leichen ziemlich ungeschickt) und kontaktiert Jessicas Großvater, einen bekannten Vampirologen der Londoner Universität. Während Jessica leichtsinnig in Draculas Arme läuft, nimmt er den Kampf gegen das Böse auf. Mit Pfählen und Weihwasser bewaffnet stellt er Dracula zur Rede. Der hat außer seinen scharfen Zähnen nicht viel zu bieten und stirbt deshalb nach kurzem Kampf. Das Gute gewinnt nicht nur den Kampf über das Böse, die Großelterngeneration hilft in diesem Moment auch ihren sich auf Abwegen befindlichen Enkeln aus der Patsche. Dracula jagt Minimädchen bringt also sogar eine generationenverbindende Botschaft mit.

Christopher Lee spielt wie schon des Öfteren in seiner Karriere Graf Dracula. Freilich beschränkt sich sein Part dieses Mal im Wesentlichen auf das Umherlaufen in der entweihten Kirche und das böse gucken. Fast wirkt der Fürst der Finsternis ein wenig hilflos - ohne seinen Helfer Alucard als Blutbeschaffer wäre er völlig aufgeschmissen. Peter Cushing überzeugt als Helsing-Großvater, er ist neben seiner Enkelin Jessica der eigentliche Held des Films. In Ausstattung und Kameraführung bietet Dracula jagt Minimädchen solide B-Movie-Qualität, es handelt sich also nicht um einen absoluten Trashfilm alá Ed Wood. Allzu viel sollte man allerdings auch nicht erwarten: Die Charaktere bleiben alle eher oberflächlich, auf spannende Wendungen wartet man vergeblich. Alles in allem ein doch eher blutleerer Dracula.

Der Dialog:

Jessica sitzt im Arbeitszimmer ihres Großvaters und liest ein Buch über schwarze Messen. Er tritt hinzu und spricht sie leicht verärgert an (vielleicht auch weil ihre Füße auf seinem Schreibtisch liegen):
Großvater: Jessica, was machst du denn hier?
Jessica (grinsend): Bisschen schmökern…
Großvater: Das hier ist mein Arbeitszimmer und keine Leihbibliothek.
Jessica (tut naiv): Tatsächlich?
Großvater (nimmt ihr das Buch aus der Hand): Über die schwarze Messe…was willst du damit?
Jessica: Ach, nur so ein bisschen die Nerven kitzeln
Großvater: Jessica, dieses Buch ist ein keine Unterhaltungslektüre. Das ist ein wissenschaftliches Werk.
Jessica (steht auf und lacht): Man kann dieses Zeug in jedem billigen Buchladen in Soho kaufen. Ist doch letzten Endes alles Käse.
Großvater: Was heißt das?
Jessica: Überspannt, verrückt, Kobolde, Spuk, Zauberei und all das Gefasel.
Großvater: Du machst dich über alles lustig, was nicht deiner sogenannten progressiven Weltanschauung entspricht. (tritt näher) Jessica, die Erforschung des Okkulten ist in unserer Familie Tradition. Seit Generationen. Für uns ist das eine ernsthafte Wissenschaft.

Fakten, Fakten, Fakten:

Regie: Alan Gibson
Bekannteste Schauspieler: Christopher Lee, Peter Cushing
Länge: 92 Minuten
Tipp: Achtet mal auf die zahlreichen Dracula-Bilder an den Wänden. In fast jeder Wohnung scheint ein Bild des Fürstens der Finsternis zu hängen.
IMDB: Die International Movie Data Base bewertet den Film mit 5,4 von 10 Sternen - diesem Ergebnis kann ich mich nur anschließen.

Richard David Precht mit Pommes in Dänemark (Foto aus seiner Jugend)

Story in vier Sätzen: Der Autor Richard David Precht erinnert sich an seine Kindheit in den wechselvollen 60er und 70er Jahren. Seine Solinger Familie behauptete einen linken Kosmos mitten im Feindesland: Amerikanische Taschenrechner und Coca-Cola waren verboten, stattdessen wurden antikapitalistische Lieder angestimmt. Schon bald entwickelt der junge Precht eine ganz eigene Sicht auf die Welt.

Wie war’s: Autor Richard David Precht und Regisseur André Schäfer bedienen sich in Lenin kam nur bis Lüdenscheid des Mittels der Dokumentation, um den Merkwürdigkeiten der Kindheit im linken Elternhause Prechts auf die Spur zu kommen. Seine beiden vietnamesischen Adoptivgeschwister kommen ebenso zu Wort wie seine leibliche Schwester und sein Vater. Diesen aktuell gedrehten Aufnahmen werden historische Filmdokumente der Familie und aus verschiedenen Archiven entgegen geschnitten. Kommentiert wird das Material aus der naiv-kindlichen Sicht des jungen Richard David (und das durchgängig über 25 Lebensjahre hinweg, was etwas kurios wirkt). Dies gibt dem Film den Charakter einer autobiografischen Diavorführung. Immer wieder werden weltpolitische Ereignisse wie der Vietnamkrieg oder der Start der Sputnik-Rakete gegen die persönlichen Aufnahmen montiert. Während in Berlin Wasserwerfer auffahren, singt Heintje stellvertretend für das Establishment „Mama”. Gerade zu Beginn sorgt dies für Verwirrung: Der Kommentar schildert ausführlich die Zerstörungskraft amerikanischer Bomben in Vietnam und einen Schnitt weiter ist wieder das unverfängliche Familienleben zu sehen. Doch dann wird die Zielrichtung klar: Vor dem Krieg formiert sich die Anti-Vietnamkriegs-Bewegung und mit ihr die 1968er Revolte in Berlin, Frankfurt und anderen Großstädten. In Solingen bekommt man davon nicht viel mit, aber die Familie pflegt ohnehin ihren ganz eigenen „progressiven” Lebensstil, der sich nicht immer mit der offiziellen Politik trifft.

Die Prechts adoptieren in dieser Zeit zwei Kriegskinder aus Vietnam, tauschen sich mit anderen Adoptiveltern aus. Eine Gemeinschaft entsteht, in der anti-autoritäre Erziehungsformen erprobt werden. Mit zweifelhaftem Erfolg, wie Precht und seine Schwester im Gespräch feststellen: Man wusste nie genau, was jetzt warum verboten war und was aus dem gleichen Grund nicht. Spöttisch stellen die beiden fest, dass ihre Eltern zudem die sexuelle Revolution anscheinend verschlafen haben. „Ziemlich hausbacken” sei das gewesen, erinnert sich Richard David. Zu Pfingsten ging es ins Zeltlager der DKP, der Schulausflug in den Heidepark blieb verboten. In die heitere Retrospektive mischen sich kritische Untertöne: Ein ehemaliger Mathelehrer Prechts wirft der Mutter vor, ihre ideologischen Ansichten auf dem Rücken der Kinder ausgetragen zu haben. Doch zur Konfrontation kommt es nicht: Richard Davids Mutter will sich im Film nicht äußern. Ganz anders sein Vater, der augenscheinlich mit der damaligen Zeit abgeschlossen hat und seine Überzeugungen von früher heute kritisch beurteilt.

Man kann Lenin kam nur bis Lüdenscheid durchaus vorwerfen, nicht konfrontativ genug zu sein. So bleiben des Öfteren Aussagen unkommentiert im Raum stehen, dem Geschichtspuzzle fehlen wichtige Teile. Warum ging die Familie nicht in die DDR? Wie kam es zu dem Umzug ins spießige arbeiterferne Reihenhaus? Hat Precht in seiner Jugendzeit die Lobeshymnen seiner Umgebung auf den Sozialismus nie kritisch reflektiert, wie er uns weismachen will? Persönliche und gesellschaftliche Erinnerung vermischen sich in dem Film, doch gerade in den 1980er Jahren bröckelt das Familienbild. Es kommt zur Trennung zwischen Vater und Mutter, was Richard David in dieser Zeit macht, bleibt hingegen unklar. So wirken denn auch Mauerfall und Wende eher drangehängt. Der 25-jährige Richard David begegnet dem Strom der Ostdeutschen in den Westen mit Erstaunen: Da scheint etwas gewaltig schief gelaufen zu sein!

Lenin kam nur bis Lüdenscheid ist ein unterhaltsamer, ironischer Film über die Kindheit in einer linken 68er-Familie und zugleich ein persönliches Portrait des Autors Richard David Precht. Erst vierzig Jahre sind die Proteste in der BRD her und doch wirken sie für unsere heutige Generation seltsam fern und in Teilen sogar absurd. Die 68er sind mit ihren politischen Zielen gescheitert, auf kultureller Ebene haben sie hingegen einen tiefgreifenden Wandel hervorgerufen. André Schäfers Film beleuchtet die wechselvolle Zeit aus einer neuen Perspektive. Lenin schaffte es mühelos bis nach Solingen - wenn auch nicht in Person.

Monolog

Richard David Precht im Vorspann des Films:
„Als ich Kind war, dachte ich, dass sich die Cowboys und Indianer im Fernsehen wirklich erschießen.
Als ich Kind war, dachte ich, dass einem ein Kirschbaum im Bauch wächst, wenn man einen Kirschkern verschluckt. Als ich Kind war, dachte ich, dass alle Amerikaner böse sind. Mit Ausnahme der Neger.”

Lenin kam nur bis Lüdenscheid läuft am Dienstag, dem 23. Juni um 22:45 Uhr in der ARD.

Diverse reichlich nutzlose Fakten:
Regisseur: André Schäfer
Richard David Precht: Hat Philosophie, Germanistik und Kunstgeschichte in Köln studiert und auch das gleichnamige autobiografische Buch zum Film geschrieben
Zusatzmaterial: Im Youtube-Kanal von Florianfilm kann man sich Statements zum Film von André Schäfer und Richard David Precht anschauen.
Provopoli: Ein strategisches Brettspiel, welches Prechts Eltern zur Wohnungseinweihung von linken Freunden geschenkt bekamen. Zwei Teams kämpfen gegeneinander: Die rote Gruppe will mit Demonstrationen, Besetzungen, Blockaden und Gefangenenbefreiungen die Stadt übernehmen. Die blaue Gruppe (Polizei) soll das - mit ungleich stupideren Mitteln - verhindern. Provopoli ist in Bayern indiziert. Kurzes Zitat aus der Anleitung: “Provopoli spielen, könnte bedeuten: Anfangen, ein Spiel zu verändern. Ein Spiel zu verändern könnte bedeuten: Anfangen, die Verhältnisse zu untersuchen. Die Verhältnisse zu untersuchen könnte bedeuten: Anfangen, die Widersprüche zu erkennen. Die Widersprüche zu erkennen, könnte bedeuten: Anfangen zu handeln. Wir meinen: Mit einem Spiel anfangen ist besser als nie anfangen.” - Sammlung des DHM

The Infra Superman kann Laserstrahlen aus seiner Hand schießen. Und er hat Raketenfäuste. Donnerkeil!

Story in drei Sätzen: Unterwelt-Herrscherin Dämona ist aufgetaut und will die Erde mit ihren Monstern unterwerfen. Doch Professor Chan hat vorgesorgt, er verwandelt den Kämpfer Ray in den knallroten Infra-Superman. Sogleich beginnt er damit unter den Monstern kräftig aufzuräumen.

Wie war’s: The Infra-Superman gönnt dem Publikum keine Pause. Sobald Ray zum roten Helden transformiert wurde, reiht sich ein schriller Monsterkampf an den nächsten. Da stört es kaum, dass man den üblen Genossen der Dämona ihre Pappmaché-Herkunft nur allzu deutlich ansieht. Manche Filmseiten im Netz behaupten gar, man könnte die Marke der Turnschuhe der Monster erkennen. Ich habe nichts dergleichen bemerkt, war aber vermutlich von weiteren heißen Effekten abgelenkt: Laser-Strahlen die mit Filzstift eingezeichnet wurden, Autos die beim ersten Überschlag in Flammen aufgehen, eine blonde Unterwelt-Herrscherin die ihre Peitsche schwingt. Alles wirkt völlig übertrieben und gerade das macht Infra-Superman so lustig. Die deutsche Synchronisation tut ihr übriges. Dennoch kann man dem Film der Shaw Brothers, die in dieser Zeit Kung-Fu-Filme am Fliessband produzierten, nicht einmal vorwerfen besonders billig zu sein: Die Deko ist aufwendig gestaltet, die Monster unterscheiden sich optisch sehr deutlich voneinander und die Kämpfe sind gut choreografiert. Alles Eigenschaften die ein durchschnittlicher Trash-Horror-Film aus den USA vermutlich nicht zu bieten hat. Ich habe mich dann auch gefragt, ob die knallbunte Aufmachung von Infra-Superman nicht einfach auf einer anderen Filmsicht der Chinesen beruht. Vielleicht sind Kontinuität und perfekt genähte Monsterkostüme ihnen einfach nicht so wichtig. Immer wieder sind zwischen die Kampfszenen heroische Dialoge reingeschnitten - es wird klar, dass nur ein chinesischer Superheld die Welt retten kann. The Infra-Superman steht also stellvertretend für den nationalen Mythos von der Macht des chinesischen Weltreichs. Da kann es gerne auch mal knallbunt und hektisch zur Sache gehen, das Ergebnis ist was zählt. Und das ist in diesem Fall nicht nur unverschämt trashig, sondern auch sehr komisch!

Diverse reichlich nutzlose Fakten:
Regisseur: Shan Hua
Darsteller: Danny Lee, Terry Liu, Hsieh Wang…u.v.a.
Alternative Titel: Chung kwok chiu yan (Hong Kong), Infra-Man (USA), Inframan l’altra dimensione (Italien), Invasion aus dem Inneren der Erde (Deutschland), Manziter (Spanien), The Super Inframan (International)
DVD: Ist im Jahr 2006 auf DVD erschienen. Diese enthält zusätzliche Szenen, die auf Deutsch untertitelt sind. Es handelt sich also um die ungeschnittene Fassung.

Eine von mehreren absolut gleich ablaufenden Kampfszenen: In Adios Companeros kommt keine Spannung auf

Die Handlung in drei Sätzen: Die Gang um Butch Cassidy landet einen Coup und ein offener Streit über die Aufteilung des Goldes bricht aus, die Bande teilt sich in zwei Lager. Macho Calaghan infiltriert die Seite des Feindes, um Rache zu nehmen. In einer Geisterstadt kommt es zum finalen Showdown und Macho bekommt seine Rache, der Gerächte dagegen eine Axt in den Bauch.

Wie war’s?: Eine Axt im Bauch. Das hört sich gut an, wollte jeder schon mal haben. Doch abgesehen von vier Minuten Dramatik am Ende ist Adios Companeros äußerst langweilig. DVD-Publisher Carol Media fährt alles auf, um diesen Streifen zu verkaufen: Kinski ist vorn groß mit Gewehr (in einer Pose, die er im Film nie einnimmt) zu sehen. Kinski spielt etwa 10 Minuten lang einen Pfarrer in einem Dorf in New Mexico, welches am Anfang des Films vorkommt. Es ist zwar interessant, einen Kinski zu sehen, der von Liebe spricht und Streithähne auseinanderbringt - jedoch auch langweilig.

Die Umschlagsbilder hinten deuten Action an, genauso der Umschlagstext. Großspurig verspricht der Hüllentext, der Bösewicht werde von seinem Freund Reverend Cotton, gespielt von Kinski, bei der Ausführung der Rachetat unterstützt. Das läuft dann schon unter Vorspiegelung falscher Tatsachen, da Kinski erwiesenermaßen nicht beim Rachefeldzug mitmischt und auch den Bösewicht des Films nicht kennt, geschweige denn sein Freund ist.

Die Handlung ist vorhersehbar und lässt überraschende Wendungen vermissen. Stattdessen ist alles etwas wirr, denn die deutsche Fassung des Films ist um etwa zehn Minuten gekürzt. Am Anfang schwört der bei einem Kartenspiel betrogene Macho Calagham Rache - am Ende führt er sie aus. Dazwischen reihen sich eigenartige Szenen aneinander, die weder Witz noch Action aufkommen lassen. Bis auf einen gelungenen Running Gag: Einer der Mitstreiter von Macho rennt immerfort mit einer Puppe im Arm herum.

Dieses skurrile Element vermag indes nicht über die sonstige Plattheit des Films hinwegzutäuschen. Die Schauspieler sind bis auf Kinski und Jeff Cameron, der Macho spielt, äußerst durchschnittlich und blass. Genauso farblos ist der Streifen selber. Das Bildmaterial ist so schlecht, dass im letzten Drittel des Films vermehrt Längsstreifen wie eine 70er-Jahre- Tapete das Bild durchziehen und die Farben sind so blass, dass man in den ersten Minuten nicht mal genau weiß, ob es sich um einen Farbfilm handelt.

Dass Kinski für 100.000 DM pro Woche in jedem noch so schlechten Film mitgespielt hat, wie er oft in Interwiews sagte, kann man ihm verzeihen. Doch unverzeihlich ist, dass Regisseur Miles Deem, der in den 70ern Italowestern von der Stange produzierte, in diesem Western kein einziges Duell, dafür aber sechs absolut gleich ablaufende Schlägereien zwischen jeweils zwei verfeindeten Männern inszeniert. Er hätte eine Schlägerei durch ein Kartenspiel, eine durch eine Hetzjagd und zwei durch Duelle ersetzen können, und alles wäre okay gewesen. Nein, nicht alles. Allerdings wären einem die langweiligen Prügelszenen, welche, das weiß man seit Bud Spencer, lustig sein müssen wenn sie über Maßen vorkommen, erspart geblieben.

Der größte Wurf ist allerdings, dass Carol Media dem Streifen den Zweitnamen eines bekannteren Western, nämlich „Für eine Handvoll Dollars - Adios Companeros” gegeben hat, denn in Wirklichkeit heißt der vorliegende Film auf der DVD „Giù la testa… hombre” und nicht wie man zuerst vermuten würde „Per una bara piena di dollari”. Hier wurde und wird eindeutig versucht am Erfolg des weltbekannten „Für eine Handvoll Dollar” von Sergio Leone mit Clint Eastwood in der Hauptrolle zu profitieren.

Alles in allem ein Film, der keine Kreativität seitens der Regie und Darsteller aufkommen lässt. Selbst die Kameraführung wiederholt sich: Sobald jemand einen Weg entlang reitet, wird nach dem ersten Schnitt zuerst auf Himmel, dann auf Bäume und schließlich, nach unten fahrend, auf den Reiter fokussiert. Das Ganze in einem Film, der gerade mal 83 Minuten (laut zweifelhafter Umschlaginfos 87 Minuten) dauert, insgesamt vier Mal.

Für gerade mal 2,99 Euro ist diese Anschaffung zu verschmerzen. Wer mehr bezahlt ist allerdings selber Schuld. Sagt hinterher nicht, das Farbfilmblog hätte euch nicht gewarnt!

Der Dialog

Nach einer Keilerei: „Du hast ne ziemlich harte Linke, Bruder” –
„Was du nicht sagt, du aber auch”

Diverse reichlich nutzlose Fakten
Premiere: 1971 (It), 1972 (D)
Regisseur und Drehbuch: Demofilo Fidani
Darsteller: Jack Betts, Gordon Mitchell, Klaus Kinski, Jeff Cameron
Länge: 83 Minuten (91 Minuten Originalversion)
Jugendfreigabe: Die Härte dieses Films rechtfertigt höchstens eine Altersfreigabe ab 12 Jahren, und nicht ab 18 Jahren, wie es rot auf der Hülle steht. Dass keine Jugendfreigabe besteht, scheint nur ein weiterer Trick zu sein um die DVD zu verkaufen.
IMDB-Rating: 3.2 von 10 Sternen was für diesen schwachen Streifen absolut angemessen ist.
Alternative Titel (und hier sieht man, dass der Film schon unter den verschiedensten Etiketten lief): A Balada de Django (Brasilianisches Fernsehen), Ballad of Django, Doppia taglia per Minnesota Stinky, Fistful of Death, Ich will deinen Kopf (BRD), Macho Callaghan se déchaîne (Frankreich), Minnesota - Caçado Vivo ou Morto (Brasilien), Strange Tale of Minnesota Stinky, oder auch einfach: Western Story (USA)